El Cervantes presenta su programación para este año

 

El Teatro Cervantes presentó una variada programación de espectáculos que no solo integrará obras de carácter comercial sino que apuesta un espacio al teatro independiente, un lugar donde puedan trabajar desde la experimentación.

“Concebimos el teatro público no como un servicio obligado a satisfacer una demanda preexistente, o que esté al servicio de determinada política oficial, sino como una institución que ofrezca a la ciudadanía expresiones artísticas en las cuales reflejarse o negarse, que discuta los modelos dominantes, que estimule la diversidad, que pueda transformarse en una plataforma para el desarrollo de nuevas asociaciones de artistas y públicos que piensen crítica y activamente su arte y su época”, explicaron autoridades del teatro.

Dentro de lo destacado, el 4 de marzo el Cervantes hará un homenaje al actor, dramaturgo y director argentino Eduardo Pavlovsky a más de medio siglo del estreno de sus dos primeras obras, La espera trágicaSomos. El programa, bajo la coordinación de Elvira Onetto, propone una lectura integral de la obra dramática de “Tato” Pavlovsky, en diferentes espacios de su edificio. Con la participación
de más de cincuenta lectores invitados, los textos de Pavlovsky, nunca estrenados en este teatro, resonarán, en simultáneo, no sólo en las salas, sino también en camarines, talleres de vestuario y escenografía, salas de ensayos, y otros rincones habitualmente inaccesibles al público.

En febrero, se reestrena Tarascones, de Gonzalo Demaría, con dirección de Ciro Zorzoli, estrenada en junio de 2016 en el Cervantes. La propuesta parte del costumbrismo para desplazarse hacia otros géneros: del drama de clases a la farsa, del policial a la gauchesca, de la comedia negra a la épica. Construida a partir de distintos moldes estróficos (romances, redondillas, décimas, un soneto) Tarascones es una obra rítmica, que afina su tono entre el lenguaje decorado, ornamental, alto, y sus cruces con lo popular, con guiños hacia la tradicional Revista Porteña. El punto de acento de la dirección de Zorzoli está en la actuación de Paola
Barrientos, Alejandra Flechner, Eugenia Guerty y Susana Pampín, y en ese hilo
fino que permite el pasaje de una actuación sujetada, contenida, sutil, a otra, febril, estallada, rota.
El estreno en Marzo de La terquedad. Rafael Spregelburd presenta el punto de culminación de su monumental “Heptalogía de Hieronymus Bosch”, inspirada en La mesa de los pecados capitales, pintada por El Bosco a fines del siglo XV. Esta serie teatral está conformada
por La inapetencia (1996); La extravagancia (1997); La modestia (1999); La estupidez (2001); El pánico (2002) y La paranoia (2008). La escritura de la pieza fue comisionada por la bienal Frankfurter Positionen 2008 a partir del lema: “Inventar la vida: ¿Por qué se producen tantas innovaciones tecnológicas que tienden a querer garantizar más vida, mientras que no parece haber ningún progreso en el ámbito de la ética?”. Al estreno de La terquedad en Frankfurt y
Mannheim, le siguieron versiones en varios puntos del globo, entre las que se destaca el montaje realizado por Marcial Di Fonzo Bo, en París y Avignon. El estreno en el Teatro Cervantes es el primero de la obra en su idioma original, reversionada por el autor para esta ocasión. Anarquismo, fascismo, colectivismo, lenguas regionales y lenguajes utópicos, reforma agraria y lucha de clases atraviesan la compleja arquitectura de la obra, que transcurre durante la Guerra
Civil Española, como un espejo que proyecta la llegada de nuestro presente.

En Abril se presenta la obra seleccionada a partir de la “Convocatoria de proyectos teatrales para programación 2017, La savia, escrita y dirigida por Ignacio Sánchez Mestre. Savia es el nombre del líquido que circula por los vasos conductores y transporta el alimento de las plantas, pero también la palabra que se utiliza para nombrar el elemento que da vida a las cosas. En esta, la cuarta creación del autor sanjuanino Ignacio Sánchez Mestre luego de Demo (2012), Lunes abierto (2014) y Despierto (2016), asistimos a una mirada divertida y delicada sobre todo aquello que nos da vitalidad. Entre libros y plantas, Elsa, el personaje interpretado por Mirta Busnelli, atraviesa una etapa de sutil renacimiento. Tal vez, como la vida silenciosa del mundo vegetal, haya algo en nosotros que, aún en el ocaso de nuestras vidas, no deja de manifestarse y crecer.

El mismo mes, habrá un especial de Yo en el futuro Teatro Cervantes I y II, dirigida por Federico León, a partir de la versión original de Yo en el futuro creada por Federico León y
Marianela Portillo, Julián Tello, Jimena Anganuzzi, Esteban Lamothe.

Dando continuidad al proceso creativo de la pieza original estrenada en 2009, estas versiones de Yo en el futuro, inauguradas en 2012 en el extinto festival Escena Contemporánea de Madrid, profundizan el trabajo reflexivo de Federico León sobre el tiempo, la mirada y la revisión y recreación del pasado. Una sola persona en escena, al piano, convive con la proyección de la obra en otros tiempos, lugares y públicos. Cada representación es grabada y, a la vez que enmarca e
incorpora el presente, tiende infinitos puentes hacia el futuro, en los que el cine, el teatro y los espectadores se interpelan entre sí. Esta obra se presentará en dos versiones únicas y diferentes en los meses de Abril -Teatro Cervantes I- y Octubre -Teatro Cervantes II-.

En Mayo se estrena No me pienso morir, escrita y dirigida por Mariana Chaud. Se sitúa en la Argentina del siglo XIX cuando José Mármol escribe en Amalia: “Las generaciones se suceden en la humanidad, como las olas de este río, inmenso como el mar”. Confirmando la cita, Mariana Chaud crea su Amalia del siglo XXI que, lejos del cuadro de época y el testimonio político de la novela, construye una apacible antropología del deseo y de las formas que adopta a lo largo del tiempo. En tres situaciones y dos épocas que pueden ser una, la del cuerpo de Amalia, interpretada en su adultez por Graciela Dufau, esta obra ofrece un retrato de aquello que no se piensa morir y en cada tiempo cambia, dando lugar a marcas generacionales, y demostrando su permanencia.

Por otro lado la obra infantil Cyrano de más acá, escrita y dirigida por Emiliano Dionisi. En esta propuesta para todo público, Dionisi presenta una lectura dramatúrgica y escénica de Cyrano de Bergerac, de Edmond Rostand. Este Cyrano propone una mecánica expresiva que nos remite a la comedia del arte pero con una impronta más propia de una Argentina perdida en el tiempo, en vínculo con las representaciones teatrales rioplatenses del circo criollo. El montaje combina,
a partir de estas tradiciones, los lenguajes del clown, el teatro físico, el canto y la danza. Con música en vivo y una puesta que remite a las ferias de variedades y los “freak shows”, la obra traza un acercamiento, un más acá entre el drama criollo y el drama heroico de Rostand.

Para Junio se estrena Cimarrón, escrita y dirigida por Romina Paula. En un delgado equilibrio entre tradición y novedad, Paula ha construido un lenguaje de actuación propio. Ante el despliegue de sus narrativas escénicas, la escritora, actriz y directora, ha ido desprendiéndose del relato, central en sus primeros trabajos, para aproximarse a la construcción de un presente poético que tiene algo de trance y algo de danza. En esta, su última creación, relatos, canciones, bailes y universos intertextuales se funden en un paisaje enigmático y onírico. Tres intérpretes, Esteban Bigliardi, Denise Groesman y Agostina Luz López, combinan sus particulares registros en una serie de pruebas poéticas y escénicas alrededor de materiales tan diversos como la obra Late: a cowboy song de la autora norteamericana Sarah Ruhl, los motivos de las pinturas de Caspar David Friedrich y las Cartas a un joven poeta de Rainer Maria Rilke, dando lugar a una atmósfera única, cuyos hipnóticos resplandores se imprimen, sutiles y salvajes, en la sensibilidad del espectador.

Bigolates de Chocote / Deseos Inquietos, se presentará ese mes, formado por actores, músicos, titiriteros, clowns y compositores. El grupo compuesto por: Verónica Belloni, Patricio Famulari, Adriana Paula García y María Marcela Herrera, ha desarrollado una identidad singular a través de sus creaciones escénico-musicales donde proponen un encuentro lúdico entre adultos y niños. El juego, la ecología, el reciclaje, componen el repertorio de temas que nos invitan a visitar. En ocasión de su aniversario, los artistas presentan distintas
situaciones y escenarios que son acompañados por propuestas musicales y visuales. Rock, pop, chacarera, cumbias y cuartetos se combinan con coreografías y sorprendentes muñecos, en una invitación a desplegar la imaginación como parte de una aventura colectiva.

En Julio, se estrenan Eva Perón y El homosexual o la dificultad de expresarse, dos obras de Copi dirigidas por Marcial Di Fonzo Bo. En una entrevista imaginaria que publica Le Figaro en su edición del 24 de febrero de 1970, Copi le pregunta a Eva Perón: “¿Qué tono desearía usted que le dé a la pieza?”. Eva le responde: “El más atroz”. Luego del estreno mundial a cargo del Grupo TSE en el teatro L’Épée de Bois, Copi tuvo prohibido su ingreso a la Argentina hasta 1984. Marcial Di Fonzo Bo, destacado director y actor argentino
radicado en Francia, protagonista de la versión francesa de Eva Perón que se presentó en Buenos Aires en 2004, nos trae de regreso a Copi a través de Eva Perón y El Homosexual o la dificultad de expresarse. Si, al decir de César Aira, en Eva Perón aparecen superpuestos todos los temas que atraviesan la obra de Copi -la violencia, la muerte, la resurrección y, de modo totalizador, la transexualidad- en El homosexual o la dificultad de expresarse ya estamos adentro de su “obra
maestra, donde el encierro es absoluto, sin salida, y lo teatral del teatro se revela en todo su horror”.

Dentro de la programación internacional, se presentará El día de una soñadora (y otros
momentos), sobre textos de Copi, en adaptación de Pierre Maillet y dirigida por Pierre Maillet. Este montaje reúne dos textos de Copi: El día de una soñadora, su primera obra
escrita en francés, y Río de la Plata, el prólogo autobiográfico de un libro inconcluso, en el que Copi duda entre escribir en su lengua materna (la argentina) o en su lengua amante (la francesa). La puesta de Pierre Maillet presenta a Marilú Marini acompañada por las voces en off de Marcial Di Fonzo Bo, Michael Lonsdale y el propio Maillet, en una suerte de recital en formato libre donde ambos textos se funden, se interrogan y se iluminan. Por su condición íntima, cercana,
adherente, la actuación de Marini pareciera mostrar una segunda piel desde la cual se revela y se presenta Copi. Lo que vemos ya no respondería a una evocación, una frecuencia o un eco, sino más bien a una presencia adentro de otra: Marilú Marini siendo Copi.

Todo lo cercano se aleja, escrita y dirigida por Laura Paredes. En su conferencia “La ceguera”, Jorge Luis Borges cita el verso que da título a esta obra: “Goethe lo escribió refiriéndose al crepúsculo de la tarde. Todo lo cercano se aleja, es verdad. Al atardecer, las cosas más cercanas ya se alejan de nuestros ojos…”. Laura Paredes, actriz y codirectora del grupo Piel de Lava, encara la dirección de su texto, ganador del Segundo Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia en 2015, en el que expone una lógica vincular degradada en el paisaje poco visitado de la costa argentina. En esta comedia desoladora, mar y cielo, presente y pasado se funden en el lento proceso de pérdida de memoria que sufre Gloria. Como los terrenos cenagosos y devaluados en Madariaga que su hija Selva y el marido quieren vender al Ingeniero, la memoria de Gloria se hunde en el paisaje crepuscular de la playa bonaerense.

En Agosto viene, Escritor fracasado, de Roberto Arlt, en versión de Marilú Marini y Diego Velázquez y dirigida por Marilú Marini. ¿Arlt escribía mal? ¿Qué es escribir mal? En palabras de Elías Castelnuovo, “decir que no sabía gramática, significa un elogio. No sabía siquiera poner una coma para separar un párrafo de otro”. Sin embargo, Arlt parece salir de la literatura por la
misma puerta por la que entra, a través de una escritura al margen del esteticismo dominante de su época. En Escritor fracasado, relato que integra el libro El jorobadito (1933), Arlt recrea, a través de una mirada corrosiva sobre el campo intelectual, los vínculos entre la figura del escritor y los modos de circulación de la obra de arte. En su trasposición a la escena, Marilú Marini y Diego Velázquez vuelven a este relato para escuchar sus resonancias en nuestro presente y para
falsificar el original arltiano. Como leemos en Nombre falso, de Ricardo Piglia: “Escritor fracasado es la historia de un tipo que no puede escribir nada original, que roba sin darse cuenta: así son todos los escritores en este país, así es la literatura acá. Todo falso, falsificaciones de falsificaciones”.

Para septiembre, La madre del desierto, de Nacho Bartolone. Partiendo de una lengua en continua torsión, la escritura y el teatro de Bartolone se funden en un mismo gesto: adulteración, sensualidad, poesía, desacato. Sus piezas, dueñas de una sonoridad y un cuerpo escandalosos, parecen el resultado de una virtuosa coreografía intelectual. Con pulso alucinado, sus obras
Piedra sentada, pata corrida (2013) y La piel del poema (2015), generan vínculos y dislocaciones entre buena parte de la tradición literaria y el teatro argentinos.
La madre del desierto ataca el periplo de la difunta Deolinda Correa, puesto en el cuerpo y la voz de Alejandra Flechner. Si el desierto es una página en blanco, y el pasado un holograma o materia que acarrear, el autor enfrenta ambos con entusiasmo y crueldad. Una vez más el lenguaje, a partir del Bebo Pura Leche que encarna Santiago Gobernori, es “un destetado de su raza” y, como toda potencia desobediente, “siempre habla la Lengua de dios”.

En Octubre el Teatro Cervantes vuelve a ser sede del Festival Internacional de Buenos Aires – FIBA, organizado por el Ministerio de Cultura del GCBA. Con el estreno de 3 8 S M (Shakespeare Material), una adaptación escénica de la obra dramática completa de William
Shakespeare, una producción transdisciplinaria donde se funden el teatro, la performance, la creación audiovisual, la danza y la música. El montaje, realizado con un mismo elenco y a través de 24 horas de espectáculo, abarca las 38 obras que firmó el gran dramaturgo inglés, a la vez que recorre transversalmente la diversidad de las artes escénicas. Durante esta unidad de tiempo
y espacio, las raíces mitológicas e históricas del universo shakespeariano se enfrentan con nuestra mirada contemporánea. 3 8 S M es una propuesta de teatro total, un viaje iniciático, una imagen de nuestro mundo difractada por una poética explosiva y universal.

Además, el Cervantes realizará a lo largo del año un ciclo de conferencias performáticas donde propone cruces entre las artes visuales, el teatro, la performance y el ensayo crítico, a partir de las investigaciones que una serie de artistas llevan a cabo en distintos territorios en conflicto de
nuestro país. Los resultados de estas investigaciones trazan preguntas, conclusiones y aproximaciones a los diferentes conflictos, a la vez que crean un dispositivo escénico para compartirlos y comunicarlos. En torno a la ciudad, en Agosto, Marcos Chinchilla + Azul Blaseotto estarán a cargo de la charla abierta sobre la Villa 20. Una historia de abajo hacia arriba. 
La Villa 20 está en el epicentro de las arremetedoras reformas inmobiliarias de la Comuna 8, eje principal de la privatización de la zona Sur de la ciudad de Buenos Aires. Dos personajes dialogan acerca de un territorio en disputa entre políticas públicas erráticas, intereses privados, blanco de negociados inmobiliarios, y deseos y necesidades de los vecinos, en un contexto de emergencia habitacional.

En LABORATORIOS DE CREACIÓN, el teatro propone un espacio para la investigación aplicada a la creación escénica. Se busca desarrollar un proceso de investigación sostenido en el
tiempo, que permita de manera orgánica construir una usina de creación y experimentación, sin depender de un resultado artístico final. Los laboratorios permitirán el tránsito por una experiencia escénica concebida como campo de prueba, un espacio que contemple tanto el hallazgo, como el ensayo y el error.
Los participantes de estos laboratorios serán seleccionados mediante audiciones abiertas a toda la comunidad teatral. Los trabajos realizados en el marco de los laboratorios contarán con sesiones
abiertas al público en general.

TEATRO CERVANTES

Libertad 815,CABA

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *